Von den fünfzehn Gewinnerprojekten der Ausschreibung Theaterforschung und verwandte Künste 2021 sind fünf in den folgenden Porträts dargestellt.
Die Projektträger geben einen Einblick in die Vielfalt der vom Kulturministerium unterstützten Forschungsprojekte. Jeder in seinem Fachgebiet trägt dazu bei, die Ästhetik zu erneuern, das Wissen über die kreativen Prozesse zu bereichern und die Pädagogiken zu nähren.
Annabel Vergne und Quentin Rioual
Angesichts der ökologischen Herausforderungen und der Klimakrise, die unsere heutige Welt prägen, ist es notwendig, unsere Produktions- und Verbrauchsmuster anzupassen. Das Feld der darstellenden Künste ist nicht frei von diesen Veränderungen zu engagieren. In diesem Sinne ist es wichtig, die Phasen des kreativen Prozesses zu überdenken, deren Szenografie ein integraler Bestandteil ist.
In diesem Sinne entstand das Forschungsprojekt Szenografie und Ökophanie. Denken Sie an die Schöpfung in einer endlichen Welt» getragen von Annabel Vergne, Bühnenbildnerin und Lehrerin an der École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD) und Quentin Rioual, Regisseur, Lehrer und Forscher, Autor der Dissertation in der Theatergeschichte Bühnenbild: Fall der ersten Bühnenkarriere der Theaterwerke von Maurice Maeterlinck (1891-1919) », unterstützt von La Belle Meunière/ Le Cube - Studio-Théâtre in Hérisson.
Diese Zusammenarbeit begann 2019 an der ENSAD, wo sich Lehrerin und Lehrer über gemeinsame Fragestellungen rund um Ökologie und künstlerische Praktiken austauschen. Seiner und ihrer Meinung nach kann sich die Szenografie als Raum des künstlerischen Schaffens mit ökologischen Fragestellungen herausbilden.
Die Projektleiter beginnen dann mit einer Forschungsarbeit, die darauf abzielt, ein Konzept zu erproben, wie man eine Theorie oder Hypothese in der Grundlagenforschung erleben würde. Es handelt sich um das Konzept der: Ökophanie », ein Begriff, der von Umweltaktivisten verwendet und in diesem Projekt auf die Probe gestellt wird. Dieser Begriff stützt sich auf das von Gilbert Simondon (1960-1961), der von Designer und Doktor Émile de Visscher (2018) übernommen und vom Design-Philosophen Vincent Beaubois diskutiert wurde, vorgelegte Konzept der Technophanie ». Aus der Sicht des Letzteren bedeutet Technophanie in einem Objekt die Resonanz einer Reihe von Objekten, zu denen es gehört und mit denen es funktioniert ». Diese Resonanz zeigt sich in der Ökologie. Diese Hypothese ermöglichte es, zu untersuchen, was die Grundlage des ökologischen Bewusstseins einer Künstlerin bildet und was die Ökologie ihrer szenografischen Praxis aus mentaler, sozialer und ökologischer Sicht ausmacht.
Annabel Vergne und Quentin Rioual führten daher eine Reihe von Interviews mit Bühnenbildnern und Regisseuren, deren Arbeit ihnen ästhetisch und reflexiv interessant erschien, darunter Marguerite Bordat und Pierre Meunier, Phia Ménard, Kristelle Paré, Nina Bonardi... Alle Künstler wurden in ihrem Arbeitsbereich gefragt, wie sie ihre ökologischen Affekte und Kenntnisse in ihren kreativen Prozess und insbesondere in ihren szenografischen Ansatz integrieren können. Um diesen Ansatz zu qualifizieren, sprechen die Projektverantwortlichen von einer Forschung, die nach einem ökologischen Erscheinungsbild » jedes Künstlers sucht.
Laut Annabel Vergne und Quentin Rioual bot der Rahmen für Forschung und Kreation einen neuen Raum für den Dialog mit den Künstlern. In der Tat konnten alle ihre Emotionen über den Klimawandel ausdrücken und intime Themen ansprechen, die außerhalb des Kreativteams selten diskutiert wurden.
Bei der Durchführung dieser Forschungsarbeit stützten sich die Trägerin und der Träger des Projekts auch auf das Fachwissen eines wissenschaftlichen Ausschusses, der sich aus vier Lehrerinnen und Forscherinnen zusammensetzte, die zur Förderung und Strukturierung der Überlegungen beigetragen haben: Francesca Cozzolino, Vincent Beaubois, Sandrine Dubouilh und Julie Sermon.
Um diese Ergebnisse zu teilen, wurden drei Tage der Wiederherstellung rund um den Begriff der Ökologie und die sichtbare oder unsichtbare Präsenz der Ökologie in der darstellenden Szenografie mit der ENSAD, das kurze Leben - Aquarium Theater und Augures Lab Szenografie organisiert, 5., 6. und 7. Dezember 2022. Diese Treffen standen Studenten und Studentinnen, Berufstätigen und Akademikern offen. Die Forschungsergebnisse wurden auch sensibel an die Öffentlichkeit durch eine Ausstellung und durch die Möglichkeit des Zugangs zur Erholung des Aquariums Theater weitergegeben.
In einem Umfeld, in dem Bühnenbildner oft von einem Projekt abhängig sind und nicht die Auftraggeber oder Auftraggeberinnen sind, kann die Szenografieforschung nur durch eine Produktionswahl erfolgen, die mehr Raum und mehr Zeit für die Arbeit lässt. Annabel Vergne und Quentin Rioual hoffen, diese Dynamik mit diesem Projekt zu fördern, das die Szenografie als einen Hauptakt der Schöpfung und nicht als einen verwandten Bereich vorstellt.
Die Forschung könnte die Szenografie in die Lage versetzen, den ihr gebührenden Platz als Gedanke und Gestaltung von Biotopen zu finden, und zu einer künstlerischen Praxis werden, die die ökologischen Produktionserfordernisse weiter lenkt.
Dieses Projekt zeigt, wie die Forschung zur Erneuerung der kreativen Prozesse beitragen und zu grundlegenden Überlegungen über Ökologie und Ästhetik in einer endlichen Welt beitragen kann.
Emmanuelle und Laborit Jennifer Lesage-David
Das vor 46 Jahren gegründete International Visual Theatre (IVT) widmet sich der Erforschung der Gebärdensprache und der tauben Kultur. Emmanuelle Laborit, seit 20 Jahren Geschäftsführerin von IVT, und Jennifer Lesage-David, die seit rund zehn Jahren Co-Direktorin ist, tragen ein Einrichtungsprojekt, das auf drei Werten basiert: Offenheit, Austausch und Weitergabe. Im Jahr 2020 wurde das IVT zu einem Ressourcenzentrum, das sprachliches, künstlerisches und pädagogisches Fachwissen in Gebärdensprache und tauber Kultur bietet.
In diesem forschungsfreundlichen Umfeld trugen die beiden Frauen ein Projekt der szenischen Zweisprachigkeit, um taube und hörende Kulturen am Set zusammenzubringen.
Diese Forschungsarbeit nahm die Form eines Workshops und von Aufführungen an, die die Diskussionen eines Kolloquiums nährten, dessen Ziel es war, über jeden Schritt des Prozesses der Schaffung einer zweisprachigen Show nachzudenken.
Diese Initiative entstand aus einer Feststellung: In der französischen Kulturlandschaft bleiben das Erbe und die Geschichte der tauben Kultur weitgehend unbekannt. Tatsächlich hat die Gebärdensprache keine Schriften und wurde fast ein Jahrhundert lang aus dem Land verbannt. Mit anderen Worten, es gibt wenige Spuren dieser Kultur, im Gegensatz zu der der französischen Sprache.
Die Gebärdensprache auf die Bühne zu bringen, ist daher ein echter politischer Akt, da dies zur Anerkennung und Aufwertung der Stellung tauber Künstler in der Gesellschaft beiträgt.
Emmanuelle Laborit weist darauf hin, dass die Arbeit am IVT nicht unter die Übersetzung der Gebärdensprache einer bestehenden Show fällt. Im Gegenteil, es handelt sich um einen gründlichen Forschungsansatz, der darauf abzielt, die Gebärdensprache bereits im kreativen Prozess als künstlerisches Thema zu betrachten. In diesem Sinne betont Jennifer Lesage-David die Notwendigkeit, von der Zugänglichkeit zur Inklusion überzugehen.
Für die Träger des Projekts besteht das Ziel also darin, in Bikulturalität zu arbeiten : taube und hörende Menschen sowohl bei der Entstehung des Werks als auch bei der Aufführung in der Öffentlichkeit zusammenzubringen.
Jedes Projekt beinhaltet einzigartige künstlerische Entscheidungen, um diese beiden Sprachen zu vereinen. Die Möglichkeiten sind endlos, von der Verwendung von Musik bis zur Voice-over, um die Gebärdensprache für ein hörendes Publikum zugänglich zu machen.
Dank ihres Fachwissens und ihres Netzwerks begleitet die IVT übrigens andere Gesellschaften bei ihrer Arbeit, einen Text in Gebärdensprache mit gehörlosen Künstlern zu adaptieren. Dieses neue Bewusstsein ermutigt Emmanuelle Laborit und Jennifer Lesage-David, Theaterteams und Studenten für die gehörlose Kultur zu schulen und zu sensibilisieren. Dabei stützen sie sich insbesondere auf eine Partnerschaft mit dem Nationalen Institut für Audiovisuelle Medien (INA), um Archive und ihre Entdeckungen zu digitalisieren, zu bewahren und zu teilen. Ein echtes sprachliches Gedächtnis kann endlich aufgebaut werden.
Diese Arbeit der Vermittlung und Sensibilisierung ist jedoch nicht immer einfach durchzuführen. Angesichts der sehr visuellen Darbietungen der IVT - die für taube und hörende Zuschauer zugänglich sind - weigern sich einige Theaterprogrammierer, loszulassen und auf Übertiteln für Hörende zu verzichten. Dennoch hat die Gebärdensprache mit ihren verschiedenen Registern und künstlerischen Disziplinen (Gesang, Choresignal, Gedicht usw.) ein großes kreatives Potenzial und ist eine unschätzbare Quelle des Reichtums sowohl für Gehörlose als auch für Hörende.
Emmanuelle Laborit und Jennifer Lesage-David wollen daher weiterhin die Gehörlosenkultur verbreiten und Brücken zwischen der visuellen und der Klangwelt bauen.
Maflohé Passedouet und Eric Monacelli
An der Schnittstelle von Tanz, Gesundheit und technologischer Entwicklung ist das Forschungsprojekt «À la Vertical de Soi» das Ergebnis einer Zusammenarbeit zwischen Maflohé Passedouet, plastischer Künstler, Bühnenbildner und künstlerischer Leiter der Firma Mobilis-Immobilis und Eric Monacelli, Professor und Forscher am LISV-Labor der Universität Versailles Saint-Quentin, Teil der Universität Paris Saclay. Das Projekt wurde 2017 nach einem Kolloquium über darstellende Kunst, Behinderung und neue Bühnenschriften - im Rahmen des Imago-Festivals an der Offenen Universität Versailles - ins Leben gerufen und führte zur Schaffung eines neuen Mobilitätsinstruments: des Sessels «Volting». Technologische Innovation und echte inklusive Einrichtungen, ist dieser Sessel eine Tanzhilfe. Es soll einem Rollstuhlfahrer ermöglichen, neue Tanzbewegungen zu erleben, um seine körperliche Freiheit zu erkunden.
Dieses Forschungsprojekt ist daher eine Gelegenheit, das Spektrum bestimmter künstlerischer und sportlicher Praktiken zu erweitern, die erhebliche Herausforderungen in Bezug auf Zugänglichkeit und Nutzung mit sich bringen können.
Maflohé Passedouet ist von dem Wunsch getrieben, Verbindungen und Inklusion in der darstellenden Kunst durch digitale Kunst zu schaffen. Die Technologien würden es ihr ermöglichen, die Körperlichkeit der Menschen zu erfassen und ihre Sinne und Wahrnehmungen zu erhöhen.
Eric Monacelli seinerseits sagt, er führe gesellschaftliche Forschungen », also Forschungen über Roboterassistenzen, die den Benutzern der Gesellschaft zugute kommen. In diesem Rahmen ist er Vorsitzender des CEREMH, des nationalen Kompetenzzentrums für Mobilitätshilfen, das Akteure (Behindertenverbände, Versicherungen, Gemeindevertreter usw.) zusammenbringt. Die Verbindung zwischen der Forschung und dem Kompetenzzentrum ermöglicht es, auf Rückmeldungen zu bauen und die Suche nach Lösungen effizienter zu gestalten, die den Mobilitätsbedürfnissen der Nutzer direkt entsprechen.
Als Objekt akademischer Forschung, Innovation und Schöpfungsgegenstand zeugt der Sessel Volting » von einer möglichen Trennung von Wissenschaft und Kunst. Die Zusammenarbeit zwischen Künstler und Forscher war ein echter Katalysator für die Erforschung neuer Methoden und Perspektiven der Zusammenarbeit, wie die beiden Träger des Projekts La Vertical de Soi» betonen.
In diesem Sinne erzählt Eric Monacelli, dass der Dialog mit Künstlern es ihm ermöglicht hat, seinen Forschungsansatz zu formalisieren, der auf einer Arbeit rund um Paradigmenwechsel und Ungleichgewicht beruht.
Für Maflohé Passedouet ermöglicht dieses Projekt, dessen Temporalität länger ist als ein kreatives Projekt, die Notwendigkeit der Produktion/Verbreitung von Live-Show loszulassen. Mit anderen Worten: Der Zweck von , In der Selbstvertikale » ist nicht die Verwirklichung einer Show, sondern die Entwicklung eines neuen Ansatzes für Lösungen für Assistenz und darstellende Kunst bei allen, in einer internationalen und multikulturellen Perspektive.
Zu diesem Zweck hat diese Forschungsarbeit zu mehreren Ergebnissen geführt, die sowohl der Veröffentlichung als auch der künstlerischen und technologischen Produktion zuzuordnen sind. Auf der einen Seite sind zwei Thesen in Arbeit um die Entwicklung von Volting ». Andererseits wurde während der Paralympischen Woche der Universität Versailles im April 2023 eine atypische Wiedergabe in Form eines Kolloquiums mit lebenden Vorführungen von Tänzern präsentiert.
Weitere Momente der Übertragung und Verwertung sind geplant, wie die performative Rückgabe und Mitarbeiterin Yes we dance » durch das Team von Eric Monacelli, das in Japan und anderswo auf der Welt öffentlich präsentiert wird. An der Medizinischen Fakultät von Saint-Quentin ist auch ein Rundtischgespräch über Behinderung, Technologie und Prothesen geplant.
Die Möglichkeiten, diese Forschung wiederzugeben, sind vielfältig und betreffen sowohl Gesundheit, Kunst, Forschung, Innovation und Sport.
Schließlich möchten die Projektträger im Hinblick auf die Olympischen Spiele und die Residenz des Unternehmens Mobilis-Immobilis in Versailles im Jahr 2024 ihren Aufbruch fortsetzen, indem sie Sensibilisierungs- und Leistungsmaßnahmen zusammenführen. So sind mehrere Aufführungen der Show A la Vertical de Soi» geplant. Diese Shows werden einen zentralen Platz für den Austausch mit allen Zielgruppen lassen. Es ist ein neuer Schritt der Wiederherstellung für eine neue Form der Interaktion.
Nathalie Veuillet
Der sehr alte Begriff der Matrize erwacht heute zum Leben und bietet neue analytische Perspektiven, die Nathalie Veuillet für ihr Forschungsprojekt nutzte «Lebende Ressourcen der künstlerischen Matrimon der Straßenkunst». Die Regisseurin, Choreografin und Dramatikerin Nathalie Veuillet engagiert sich in diesem Projekt, um ihre militante Tätigkeit im Kunstverband der Rue Auvergne-Rhône-Alpes in Perspektive zu setzen. Durch eine kollektive und bereichsübergreifende Befragung vertiefte sie sich in die Praxis der Gleichstellung von Frauen und Männern im Bereich der Straßenkunst mit dem Ziel, diese Regisseurinnen hervorzuheben.
Mit dem Fachwissen der beiden Forscherinnen Corine Luxembourg und Sophie Denave wurden zehn Designerinnen zu ihrem persönlichen, schulischen und beruflichen Werdegang befragt. Diese mehrstündigen Austausche befassten sich insbesondere mit dem Thema ihres Studiums, der Gründung ihrer Firma, der Mutterschaft, dem Schreiben und der Kunstpraxis im öffentlichen Raum, wenn man eine Frau ist.
Laut Nathalie Veuillet war diese Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Akademikern entscheidend für die Entwicklung des Fragebogens für Interviews. Die Gegenüberstellung von Methoden und Bereichen des Verständnisses ermöglichte es, einen allwissenden Blick auf das Forschungsthema zu werfen und den unternommenen Ansatz zu festigen.
Die Forschung und Schöpfung dient somit dazu, gemeinsame Interessen zwischen dem Kreativsektor und dem akademischen Sektor hervorzuheben.
Auf der anderen Seite haben die Träger dieses Projekts sehr auf seine übertragbare und teilbare Dimension geachtet. Für Nathalie Veuillet geht es nicht nur darum, die Forschungsergebnisse zu sehen, es ist auch wichtig, den Prozess zu dokumentieren.
Viele Fotos und Auszüge aus den zehn Interviews wurden daher in sozialen Netzwerken verbreitet, um die Aufmerksamkeit eines breiten Publikums auf sich zu ziehen und das Publikum dazu zu bringen, Podcasts, Videos oder Artikel zu lesen, die im Rahmen der Forschungsarbeiten produziert wurden. Im Übrigen erschien es wichtig, verschiedene Arten von Inhalten anzubieten, um eine Auswahl zu ermöglichen.
Darüber hinaus nahm das Projektteam an mehreren Podiumsdiskussionen teil und verbreitete kontinuierlich Filminterviews auf Festivals, was eine bessere Sichtbarkeit des Projekts sicherstellte.
In einem wenig erforschten und wenig anerkannten Sektor wie den Straßenkünsten argumentiert Nathalie Veuillet, dass Forschung und Kreation von grundlegender Bedeutung sind, um ein besseres Verständnis dieses Disziplinarbereichs, das Aufmerksamkeit verdient, zu schätzen und beizutragen. In diesem Sinne spricht sie von der Möglichkeit einer langfristigen Zusammenarbeit (3 bis 5 Jahre) zwischen Unternehmen in Wohnheimen und Universitäten, um Interwissens zu fördern und echte gemeinsame Projekte zu entwickeln.
Pierre-Yves Massip und Sara Mangano
Rund um den Pantomimen/Mangano-Massip, dessen Arbeit an der Kreuzung mehrerer Disziplinen liegt, führt seit seiner Gründung Forschungsaktivitäten durch. Sara Mangano und Pierre-Yves Massip arbeiten seit 26 Jahren zusammen und behaupten, dass die Forschung in den Bereichen Mimik und Gesten inhärent ist. In der Tat sind diese häufig mit Plateauarbeit und sprachbezogenen Experimenten verbunden. Dank der Ausschreibung für Forschung in Theater und verwandten Künsten haben sich die beiden Künstler zum ersten Mal die Zeit genommen, eine Grundlagenforschung durchzuführen, d. h. eine Forschung, die sich von allen Erfordernissen des darstellenden Schaffens löst.
So begannen sie mit der Erforschung eines bisher wenig erforschten und theoretisierten Theaterinstruments: des Chors. Der schlagende Chor: Praktiken und Gedanken der gestischen Choralitäten», ihr Forschungsprojekt nahm schnell eine doppelte Dimension an, sowohl dramaturgisch als auch politisch, da der Chor nicht nur auf der Bühne existiert, Er ist auch in der Höflichkeit und verkörpert das Leben in der Gesellschaft.
Viele Fragen waren die Grundlage ihres Vorgehens : Wie stellt man den Chor in den Mittelpunkt der Dramaturgie und insbesondere der gestischen Dramaturgie ? Wie kann ein Chor bearbeitet werden ? Was kommter erzählt ? Welche dramaturgischen und szenischen Möglichkeiten bietet er ? Wie soll man sonst das Gemeinsame, die Gruppe, das Ganze denken?
Sara Mangano ist Pierre-Yves Massip, der der Idee eines faschistischen Chors entgegengetreten ist, einem Chor, der ständig im Einklang steht und aus Personen mit demselben Geisteszustand besteht. Sie wollten an einem Chor arbeiten, dessen kollektive Harmonie die Individualitäten jedes Mitglieds nicht auslöscht.
Durch die Einführung des Prinzips der Gelassenheit versammelten sie eine Gruppe von etwa fünfzig Künstlern, die aus der Gesellschaft stammten oder zu diesem Anlass angehört wurden, um Forschungssitzungen zwischen einer Arbeit am Tisch (Reflexion, Schreiben) und einer Arbeit am Set durchzuführen. Andere Regisseure und eine Akademikerin wurden ebenfalls zu diesen Sitzungen eingeladen, um sicherzustellen, dass sie sich von dem Projekt entfernen und sich von ihm entfernen.
Diese Forschung führte zu einer gemeinsamen Methodik der Chorarbeit, d. h. einer Reihe von Konzepten, Protokollen, Arbeitsbüchern und einem Lexikon, das sich an Fachleute der Kunst des Mimen und der Geste richtet, um ihren kreativen Prozess zu unterstützen. Die Entwicklung dieser Werkzeuge, die für die Übermittlung der Forschungsergebnisse unerlässlich sind, war ein echter roter Faden in der Arbeit von Sara Mangano ist Pierre-Yves Massip. In der Tat ist die Theorisierung der Künste der Mimik und der Geste eine echte Herausforderung, da ihre Praktiker die Angewohnheit entwickelt haben, Forschungsschritte zu unternehmen, ohne sie zu benennen und zu teilen.
Nach Ansicht der beiden Projektträger dient dieses Bedürfnis nach Befragung und Konzeptualisierung nicht nur der künstlerischen Praxis und der Kreation, sondern ist auch der Garant für eine Verbindung mit der Realität.
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