Querida Jennifer Montagu:

Aquí mismo, en Fontainebleau, Luis XIV convoca a Le Brun para que pinte la obra maestra que usted ha comentado con tanto éxito. Ilustrando la visita de Alejandro a la madre de Darío derrotado, es un cuadro en el que se lee el juego de las pasiones, la atención tan particular que Le Brun prestaba a las emociones. Que ha sido el centro de su investigación.

Mientras estudias filosofía, política y economía, te apasiona la historia del arte. Asiste con asiduidad y pasión a las clases y seminarios de famosos historiadores del arte: Ernst Gombrich y, antes que él, Kenneth Clark. Fue Ernst Gombrich quien le sugirió estudiar Le Brun. También es el director del Instituto Warburg, donde usted ha sido conservador de la colección fotográfica durante más de 20 años.

Unos años después de sus maestros y algunos de los nombres más grandes de la historia del arte británico, es su turno de ocupar en 1980 la cátedra más antigua de historia del arte en Inglaterra. Usted es Slade Professor of Fine Arts: es la última consagración, el reconocimiento de toda la profesión. Este éxito se debe sin duda a la singularidad de su enfoque. A vuestro extremo rigor, unido a una libertad de tono, lejos de las capillas teóricas, y a un gusto por los artistas desconocidos, las habilidades olvidadas.

A usted se debe el renovado interés por Charles Le Brun. Sus trabajos han marcado un hito. Ponen de relieve al teórico, autor de La expresión de las pasiones del alma, tanto como el inmenso pintor que conocemos. Como la notable exposición que organiza en Versalles con Jacques Thuillier: Charles Le Brun 1619-1690, pintor y dibujante.

Especialista del Gran Siglo y del Siglo de las Luces en Francia, ha contribuido enormemente a revolucionar el enfoque de las obras de arte de la época. También se interesó mucho en el barroco italiano y en las esculturas. Usted dedica dos obras que se han convertido en referencias: Roman Baroque and Sculpture: the Industry of Art en 1989 y Gold, Silver and Bronze: Metal Sculpture of the Roman Baroque en 1996.

Su notable trayectoria está impregnada de singularidad. En el barroco, usted prefiere el barochetto, un poco más elegante, un poco más femenino, más fácil también, sin tender nunca hacia el rococó.

En Bernini prefiere el Algarde. Mientras que hoy en día, el romano a menudo prevalece sobre el boloñés, usted vuelve a habilitar a aquel que durante mucho tiempo fue considerado el rival desafortunado. Le dedicáis una obra monumental que hace justicia a la gracia y a la invención decorativa de Alessandro Algardi. En lugar de atar a este escultor desconocido a una escuela, usted lo presenta libremente, evolucionando en la riqueza de esta primera mitad del 17mo romano.

Así, al revés de las tendencias, usted se interesa por las artes decorativas y la orfebrería en particular. A partir de los únicos libros de cuentas de un orfebre romano del 17mo, se realiza una monografía. Este descubrimiento raro y singular le permite un acercamiento inédito a la obra de Antonio Arrighi.

Es la relación entre el escultor y el fundidor, el pintor y sus asistentes lo que le fascina. El universo de los talleres ha sido durante mucho tiempo un campo abierto de la investigación en la historia del arte.

Su experiencia es reconocida internacionalmente. Ha sido profesora invitada en la National Gallery of Art en Washington, pero también en el Collège de France. Signo de su autoridad en el campo, usted abre hoy, junto a los más grandes especialistas internacionales, esta tercera edición del Festival de historia del arte de Fontainebleau. Para compartir con los asistentes su pasión y experiencia.

Después de su país, que le ha distinguido muchas veces, porque ha contribuido al estudio y a la difusión de las obras de los artistas principales de nuestra historia artística, Francia le rinde hoy homenaje con inmensa alegría.

Querida Jennifer Montagu, en nombre de la República Francesa, le entregamos las insignias de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras.

Querido Daniel Spoerri:

Explora lo efímero, lo casual, lo cotidiano, la comida y las prácticas alimentarias que eleva a la categoría de obra de arte.

A partir de la década de 1950, cuando, después de haber sido primer bailarín en la ópera de Berna, actor de teatro, decorador, mimo, se prueba a la poesía concreta, esta forma experimental le permite preservar la libertad del lector no imponiendo, a través de la obra, su personalidad.

Con este espíritu, fundáis en 1957 la revista de poesía concreta «Material» en Darmstadt, Alemania, y en 1959 en París las ediciones «MAT» (Multiplicación de Arte Transformable) que difunden obras llamadas «sin escritura personal» y publican, entre otros autores, Tinguely, Agam y Soto.

A partir de entonces, con el afán de reducir la subjetividad del artista, así como el principio de la creación individual, se aborda el arte plástico, y se produce, en 1959 en París, en el marco de los Nuevos Realistas formados por Pierre Restany, sus primeros «cuadros trampa».

Enumerar, ensamblar, coleccionar, atrapar los objetos, este concepto que le vale ser conocido y estimado en la escena artística mundial, testimonia lo más a menudo posible de comidas: vajilla, embalaje, cenicero, tantos objetos que pega, tal como el azar los ha reunido en una mesa - no permitiéndote, dices, ninguna creatividad - para luego ponerlos en vertical en una pared.

Más tarde evolucionarás hacia otras actuaciones que abrirás a tus amigos, cuando conviertas la Galería J en un restaurante improvisado, jugarás el papel de chef, mientras que las críticas de arte como Jean-Jacques Lévêque, Michel Ragon o Restany se encargan del servicio en torno a comidas cuyos relieves están congelados donde se han consumido.

Porque para vosotros, el arte es alimento y viceversa. El Eat-Art, literalmente «el arte de comer» del que usted es el instigador, el promotor, el actor principal, nace así y se convierte rápidamente en una práctica ineludible del arte contemporáneo.

Desarrollando este concepto, se crea la Eat Art Gallery en 1970, e invita a artistas - como Arman, Cesar, Dieter Roth - a realizar obras: autorretrato de chocolate, personajes de pan de jengibre, piernas de muñeca de mazapán, así que, poco a poco, el espíritu del banquete «temático» toma precedencia sobre los «cuadros-trampa».

En este ámbito, el acontecimiento más destacado sigue siendo «el entierro del cuadro-trampa», también llamado «el almuerzo bajo la hierba», en guiño al cuadro de Manet, una actuación que reunió, un 23 de abril de 1983 en el parque del Centro cultural del Montcel de Jouy-1983en-Josas, más de un centenar de personalidades del mundo del arte contemporáneo en torno a un banquete cuyas mesas, cubiertos y restos están enterrados, para ser exhumados veintisiete años después, como una verdadera investigación arqueológica.

Y la película de Laurent Védrine, proyectada hoy mismo en el marco de este festival, rinde homenaje a este acontecimiento multidisciplinar, abierto a la vez a los mundos artístico y científico.

Daniel Spoerri, como autor de un evento, siempre está dispuesto a explorar la noción de trabajo colectivo, y elegir la comida, este momento de compartir, como objeto de trabajo, es en todo punto significativo.

Otro magnífico ejemplo de obra compartida es, en un ambiente familiar y festivo, su participación en la creación del «Cyclop», inmensa escultura instalada en el corazón del bosque de Milly, diseñada por Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely, con la contribución de numerosos artistas - el lugar que se abre desde 2012 a la creación contemporánea en torno a ejes como la creación en común, la actuación y la investigación artística que combinan la música y las artes visuales.

Querido Daniel Spoerri, por su obra, maravilla de audacia imaginativa, aclamada en la escena internacional y objeto de varias retrospectivas, en Ámsterdam, Zúrich o París, obra que ha sabido liberarse de las convenciones artísticas y abrir nuevos caminos, en nombre de la República Francesa, le entregamos las insignias de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras

Querido Peter Greenaway:

Al principio era la imagen. Más que el verbo o el texto, es la imagen la que está en la base de todas vuestras creaciones. Autor, plástico, artista de la imagen y cineasta, se apodera del arte en todas sus formas. Como para ilustrar mejor el principio wagneriano de arte total.

La pintura es tu primera pasión. Estás destinado a convertirte en pintor mural. Pero su encuentro con el Séptimo Sello de Ingmar Bergman le lleva a convertirse en director. Niño terrible del cine, usted no duda en imponer su marca, su huella visual, en un arte que usted juzga acaparado por el texto

Es Asesinato en un jardín inglés y Z.O.O que te hacen conocer al público y dan el tono de una obra donde la pintura juega los primeros papeles. Vermeer y Caravaggio inspiran sus dos primeros éxitos. Su talento y su singularidad no dejan de ser reconocidos por sus compañeros: en 1987 Le Ventre de l'architecte es seleccionado en la Competición Oficial del Festival de Cannes. Luego de nuevo en 1988 por Triple asesinato en Suffolk.

En 1989, es la consagración con El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante. Un mural gigantesco en la línea de los grandes maestros, Buñuel o Ferreri. Alrededor del Banquete de los oficiales de San Jorge de Frans Hals, esta obra maestra ofrece un desenfreno de detalles visuales, entre los cuales los magníficos trajes de Jean-Paul Gauthier.

A continuación, realiza Prospero’s Book, una adaptación de la Tempestad de Shakespeare con Rubens y Velasquez y The Baby of Macôn, una fábula medieval llevada al período barroco. La fascinación por el cuerpo marca Pillow Book, que reconcilia las palabras y las imágenes con la caligrafía dibujada en el cuerpo, y Ocho mujeres y media, en selección en el festival de Cannes 1999.

Para acompañar la revolución de las imágenes, tomaste la decisión de «explotar» el marco. Es el desafío de la trilogía The Tulse Luper Suitcases que, dentro del marco cinematográfico, abre numerosos campos para la multiplicación de las imágenes. Su trabajo es el fruto de un pensamiento cinematográfico original que no limita el procesamiento digital a la imagen o a los efectos especiales, sino que sitúa los nuevos medios y la interactividad en el centro del dispositivo narrativo. Es la apuesta de su último proyecto, 3x3D, presentado en clausura de la Semana de la Crítica este año en Cannes. Realizado con Jean-Luc Godard y Edgar Pêra, plantea una mirada innovadora sobre el 3D que se convierte, gracias a usted, en un objeto de experimentación al servicio del cine de autor.

400 años después del nacimiento de Rembrandt, usted da una nueva vida a su famosa Ronda de la noche. Transformando primero, en el corazón mismo del museo, el cuadro en pantalla para proyectar imágenes y sonidos. Dedicando luego al gran maestro de la luz la primera parte de una serie sobre estos pintores flamencos que tanto admiras. En 2012, realizas la segunda entrega de Hendrik Goltzius.

Sensibilizar al público a la imagen, despertar en él una curiosidad por lo visto y suscitar asociaciones pictóricas: esta es, según usted, la responsabilidad del artista. Una responsabilidad que está en el corazón de su arte, en la gran pantalla, en el escenario, en los museos y en los numerosos espacios que invierte en sus instalaciones o actuaciones. Para Lille Capital Europea de la Cultura 2004, el imaginario onírico y poético de Tulser Luper, su héroe viajero está en el corazón de una instalación teatral orquestada en colaboración con Saskia Boddeke. Después os proponéis dar vida al Palacio Real de la Venaria Reale reviviendo a sus ilustres ocupantes durante una exposición que explora todos los campos artísticos.

Usted quiere educar la mirada para hacer que el público considere la historia del arte con un ojo nuevo. Esto es lo que ha motivado su instalación alrededor de la pintura de Rembrandt y la extraordinaria serie que inaugura. Entre las obras maestras más grandes de la historia del arte, usted elige volver a visitar La Cena de Leonardo da Vinci para tocar la luz y los sonidos, pero también para mostrar mejor las proezas técnicas del cuadro en un enfoque extremadamente didáctico. Reserváis el mismo trato a las Bodas de Caná de Veronese, que presentáis en la Bienal de Venecia.

Figura iconoclasta del paisaje cinematográfico europeo, encarnas mejor que nadie la feliz unión del cine y la pintura. Porque sois un virtuoso de la imagen, un artista convencido de la necesidad de sensibilizar al público y de educar su mirada, con gran alegría y orgullo os rindo hoy los homenajes de la República.

Querido Peter Greenaway, en nombre de la República Francesa, le entregamos las insignias de Comendador de la Orden de las Artes y las Letras.